La premessa è interessante, perché parte da una realtà distopica ma molto vicina al nostro mondo: i temi messi in campo sono il confine tra vero e artefatto, tra realtà e finzione televisiva, tra pietas umana e disumana crudeltà, tutti visti dalla duplice prospettiva dei distretti periferici poveri e ancorati alla terra, e della capitale in cui tutti sono drogati di showbiz. La storia regge: c’è l’eroina di turno, Katniss Everdeen, del Dodicesimo distretto, che si offre volontaria per salvare la sorellina estratta dalla (mala)sorte per i giochi – una Jennifer Lawrence in gran forma, col piglio dell’amazzone – c’è il coprotagonista belloccio e sensibile, Peeta, con il quale sboccia l’amore; c’è anche sullo sfondo, un terzo del triangolo, l’amico speciale di Katniss rimasto nel dodicesimo distretto a fare da spettatore, anche se si intuisce che qualcosa accadrà (e forse lì si giocherà la partita dei prossimi episodi, sul peso che verrà dato all’elemento romantico). C’è un supercattivo interpretato da Donald Sutherland, un antagonista temporaneo che dura il tempo dei giochi e così via. E l’occasione mancata è forse proprio questa: avere a disposizione una bella storia e tanti personaggi che tuttavia restano superficiali, non riuscendo ad acquisire spessore nel corso della vicenda. Eccezion fatta (e neanche troppo) per Katniss, sulle cui spalle si regge e traina l’intero film, tutti gli altri appaiono e scompaiono dallo schermo senza lasciare una qualche traccia emozionale. Tuttavia la storia ha il suo fascino e viene narrata registicamente in modo non troppo classico: molti, a volte troppi, sono i movimenti della camera a mano, le inquadrature ravvicinate e traballanti che a fatica fanno capire cosa sta accadendo, la fotografia è adeguata all’habitat e allo svolgersi della vicenda.

Nonostante tutto il film non annoia e offre diversi spunti di riflessione: considerato il pubblico al quale è destinato non è poco. E il botteghino sta ripagando la fatica produttiva: il film, costato 78 milioni di dollari, ha stabilito il record per il miglior esordio negli Usa di un non-sequel con 152.5 milioni di dollari, registrando il terzo miglior dato di sempre dopo Harry Potter e i doni della morte: Parte II (169 Milioni di dollari) e Il cavaliere oscuro (158 milioni di dollari).

Gli stereotipi del genere ci sono tutti (lo sciagurato bisognoso di disciplina, la bella da conquistare) e la resa comicizzante e caricaturale dissipa ogni dubbio: è un’autoparodia. Ma il tono dei discorsi sull’onore, il coraggio e l’eroismo (soprattutto se messi in bocca a un attore dalla professionalità indiscussa come Liam Neeson) è di una serietà tale da mettere a rischio la natura intrattenitrice dell’operazione. L’intera sequenza, poi, dedicata ai mutilati di guerra è assolutamente dissonante con l’essenza fracassona ed eccessiva del film, una nota anti-militarista in un film che è un’apologia alla spettacolarità delle esplosioni e alla super-tecnologia delle armi più avanzate. E come giustificare allora le citazioni, assolutamente gratuite, di Omero e Sun-tzu? È ancora autoironia o un estemporaneo anelito a un tono più impegnato?

Ma, tutto sommato, il gioco funziona. Il ritmo è incalzante e il divertimento non manca. Battleship è ancora una volta un esempio di cinema iperbolico dove i colpi di scena si sommano a tal punto da diventare prassi e gli interventi provvidenziali all’ultimo secondo messi sempre a raddrizzare l’esito tendente a favore dei cattivi, e dove tutto alla fine torna, persino la “corazzata” (battleship in inglese, per l’appunto) Missouri tornerà utile ai protagonisti, obsoleta e meno tecnologica dei moderni cacciatorpediniere ma più resistente ai colpi.

Tutto il film dei Manetti Bros è fondato sul concetto di comunicazione e su quello di apparenza. Del primo è rappresentazione il personaggio di Gaia, la giovane traduttrice di lingua cinese, che con il suo lavoro e la sua personalità è il simbolo concreto del dialogo, dell’ascolto, del desiderio di comprendere gli altri. Al suo opposto, il personaggio di Curti (interpretato da un “cattivissimo” Ennio Fantastichini) che sin dalla sua indefinita figura professionale (non ci è dato sapere chi sia realmente e cosa faccia) appare come una forza che al dialogo si oppone, preferendo contrapporre una sordità volutamente ottusa, una forza violenta e apparentemente ingiustificata. Tra questi due opposti, fortemente estremizzati e forse anche per questo decisamente stereotipati, si erge la misteriosa figura del signor Wang, che rappresenta il secondo concetto alla base di questa sci-fi: l’apparenza. A lui, i due registi affidano il compito di sorprendere sia i protagonisti che gli spettatori, sorprendendoli, illudendoli e, proprio per questo, rendendoli complici inconsapevoli di una colpa. È un duello quello che i Manetti Bros mettono in scena; un duello tra categorie universali (giustizia e ingiustizia; umanità e disumanità; razzismo e fratellanza) che si svolge nelle pareti strette e anguste di una stanza di cemento; stanza più consona a un film di guerra o ad un poliziesco. In verità, L’arrivo di Wang potrebbe benissimo afferire a questi due generi: cos’è quella tra Curti e Gaia, se non una guerra tra due diversi modi di vedere il “diverso”? Che cos’è la ricerca della verità da parte di entrambi, se non un’indagine, che avrà il suo epilogo in un finale venato di comicità nera?.

Le idee buone, nel film di Marco e Antonio Manetti, non mancano di certo; e di certo per fare un buon film non servono effetti speciali mirabolanti, come L’arrivo di Wang dimostra e come avrebbe potuto ulteriormente dimostrare se i dialoghi e, soprattutto, le interpretazioni dei vari personaggi, in primis quella di Ennio Fantastichini e Francesca Cuttica, non fosse stata così terribilmente vicina ai modi e allo stile di una mediocre fiction televisiva. Lo scontro tra Gaia e Curti avrebbe meritato una verve, un’intensità interpretativa maggiore; giustificare la stereotipizzazione del modus interpretativo come una scelta voluta da parte dei due registi potrebbe essere corretta, ma solo in parte. Rimane comunque un’opera che si guarda con interesse, una delle poche incursioni italiane nel genere fantascientifico che della sci-fi riesce a recuperare il valore più profondo: essere metafora capace di parlare dei giorni nostri guardando al futuro. O a un presente apparentemente troppo incredibile per esser veritiero.

I codici poetici e stilistici restano quelli tipici del cineasta danese: camera a mano, montaggio schizoide, slow motion per allungare e far sentire il tempo, suddivisione godardiana in capitoli, donna come organo e strumento conoscitivo dell’ignoto; tuttavia, essi appaiono qui arricchiti da una maggiore necessità di attingere da se stessi e dalla propria sofferenza (com’è noto il regista in passato soffrì di una non lieve forma di depressione) per la realizzazione di un’opera d’arte. Il cineasta ha infatti utilizzato l’esperienza del male di vivere per costruire un prodotto artistico che fosse capace di interrogarsi sulle possibili reazioni che l’Umanità intera potrebbe avere di fronte a una catastrofe di origine naturale. Da un lato Claire cerca di affidarsi alla scienza, quindi si ostina a cercare risposte sulla sorte del pianeta nelle previsioni esatte degli studiosi e poi, presa dal totale sconforto, si dà alla fuga disperata, senza fine e meta alcuna, perdendo completamente il senno dinanzi al cataclisma ormai incombente. Dall’altro invece Justine, giovane donna in carriera, assume un atteggiamento di inerzia, apatia, inettitudine a vivere dinanzi alla situazione catastrofica: il Sublime dinamico e quello matematico di Kant si fondono nel personaggio interpretato dalla Dunst la quale, agli sgoccioli del film, suggerisce addirittura alla sorella di godersi lo spettacolo in terrazza bevendo vino e ascoltando la Nona Sinfonia in Re minore di Beethoven.

Per mettere in scena l’Assoluto e il Sublime, Lars Von Trier ha bisogno però di un altro grande romantico: Wagner ed il suo Tristano e Isotta che, per l’intera durata del film, cullano lo spettatore dinanzi allo spettacolo della fine del mondo.

Curiosità
Dopo Bodil Jørgensen, Bjork e Charlotte Gainsbourg, Kirsten Dunst è la quarta attrice diretta dal regista danese a ricevere un premo per la sua interpretazione.

Un film, quello di Stewart, che non finge nemmeno di sforzarsi ad offrire qualche elemento di originalità. La trama è imperniata sulla ormai trita e ritrita lotta tra umani e vampiri; i personaggi si reggono in piedi non grazie ad una storia che dona loro carne e anima, ma in quanto sagome di altre storie già viste e già sentite, caricature di cui lo spettatore può intuire persino il minimo cambiamento di espressione e la più breve delle battute (cose, queste ultime, davvero non difficili, vista l’esiguità delle espressioni facciali e la pochezza delle battute di Bettany & Co); le esplicite citazioni da altri film (da Blade Runner alla saga western di Sergio Leone), più che essere chicche per cinefili e spettatori attenti, sono così sfacciate e gratuite da risultare scontate.

Qualcuno potrà pur obiettare che tutti questi sono difetti comuni ad altri film in cui a far da padrone è lo spettacolo e non la storia in sé; eppure Scott Stewart, pur avendo a disposizione l’ormai inflazionato uso del 3D (il cui utilizzo risulta essere inutile nove volte su dieci) e una storia che ben si presta a scatenare almeno la creatività dell’elemento visivo, riesce a banalizzare anche la dimensione spettacolare. I costumi sono anonimi quanto e più dei personaggi; le armi non colpiscono per la fantasia del loro design e le motociclette utilizzate sono delle vecchie carrette a cui è decisamente mancato il tocco magico di Darren Gilford, le cui moto di puro design della luce hanno costituito l’unica, vera attrazione di un film dalla storia deboluccia quale è stato Tron Legacy. Persino nel concepire il simbolismo di Cathedral City, la città dominata dal potere dittatoriale della Chiesa, c’è stato un impegno concettuale e visivo pari allo zero. Ed è proprio questa, forse, la “colpa” più grave di Priest: non il suo essere un film banale e stereotipato sino al ridicolo, quando nel non essere riuscito ad essere l’unica cosa a cui poteva ambire, ovvero ottantasette minuti di mero spettacolo fine a se stesso, dove lo spettatore, pur spegnendo il cervello, avrebbe potuto rifarsi gli occhi gustando combattimenti in barba alle leggi di gravità, corse su veicoli capaci di scatenare la fantasia dei collezionisti di action figure e non, armi scaturite dalla fantasia di folli designer, mostri capaci di far concorrenza alle orribili creature di HR Giger (al massimo, i vampiri risultano essere la brutta copia dello splendido mostro ammazza bambini che compare in Il labirinto del fauno di Guillermo del Toro). Ciò che tocca allo spettatore, invece, sono le solite pose alla Matrix, qualche scaramuccia tra tamarri vestiti da cowboy (o meglio ancora, tra mandriani vestiti da tamarri) e un’ora di vano, impari combattimento contro la noia e il sonno.

Ora, lungi da noi giudicare anni e anni di lavoro di un ricercatore e di coloro che sostengono le sue ricerche, ma per renderci conto del tipo di film al quale ci siamo trovati di fronte, diremo in poche parole che il prof. Malanga afferma che i rapimenti alieni (in gergo adduzioni) non solo sono reali, ma avvengono molto più spesso di quanto crediamo. Teorie provate ed espresse in molti libri attraverso metodologie che ovviamente la scienza ufficiale non approva. Trarre un film da tale, scottante materia diventa quindi assai pericoloso, perché il primo ostacolo per un buon regista/sceneggiatore è quello di ricreare un mondo verosimile per lo spettatore. Purtroppo Varo Venturi, che qui fa tutto, dal regista allo sceneggiatore, dal montatore all’autore delle musiche, non è in grado di trasformare queste teorie in un film, finendo nel labirinto della cospirazione, della mancanza d’ironia, delle battute finto giovani, del dogma caduto dall’alto. E così accadono cose al di là di ogni fantascienza, come per esempio la “normale” scelta di far curare una adduzione aliena dall’esorcista gesuita Plato, per di più pedofilo. Per non parlare dei buoni hacker romani, che vestono come punkabbestia anni Novanta e si esprimono a suon di “dammi il cinque” e “cool”.

In pratica un fallimento su tutta la linea. Se l’intento era didattico, infatti, l’esagerata mole di informazioni fornite diventa eccessiva e poco coinvolgente. Se si voleva creare un’ambientazione credibile per un film d’intrattenimento, la mancanza di dialoghi credibili e l’insulsa detection distruggono ogni intento. Se si voleva dar vita a un film trash e fantascientificamente comico, allora bisognava esagerare e non abbandonare gli spettatori a poche e rade battute di involontaria comicità: “666. Cazzo l’anticristo!”. Ma forse siamo noi che non capiamo: “gesuita, non so se mi spiego!”.

Curiosità
Sono molte le informazioni che si possono trovare in rete su Corrado Malanga, tra cui anche un test per scoprire se c’è la possibilità di essere stati rapiti dagli alieni. Lo si trova qui

Vaughn mette in primo piano il decòr: ogni ambiente spicca per i suoi colori e la sua scenografia. Se all’inizio il setting è quello della seconda Guerra Mondiale e dei campi di concentramento, dove la predominante è grigia, si passa poi alle tende rosso-porpora e bicchieri di cristallo nei salotti alto-borghesi, nascosti in night club immersi in una classica Las Vegas anni Sessanta. Le atmosfere si fanno giallo-polverose nella pampa western Argentina, dove si sono rifugiati i nazisti. Futuribili sono invece gli interni dei laboratori, che uno dei mutanti (laureatosi ad Harvard a 15 anni) gestisce, ma senza perdere la loro ambientazione sixties: non è un computer a stampare i dati, ma una banale macchina da scrivere. Fino allo scontro finale avverrà dentro un angusto spazio infinito, dove a moltiplicare la realtà sono una serie di specchi che si riflettono uno contro l’altro. X-Men: L’inizio racconta la nascita del conflitto tra gli stessi mutanti, tra chi non accetta le regole degli umani, e chi invece crede ancora di riuscire a trovare un giorno una convivenza pacifica tra le due specie. Se gli X-Men sono in fondo un’allegoria degli adolescenti che scoprono un corpo in cambiamento, in questo capitolo la svolta “storica” rivela che a cambiare il mondo nei lontani anni ’60 sono stati proprio loro, i mutanti. Nel cast spiccano in particolare i due protagonisti principali: il professor X, interpretato dallo scozzese James McAvoy, che pur essendo mutante non si lascia trasportare dalle proprie emozioni, e il futuro Magneto (Micheal Fassbender) che al contrario è mosso da un unico sentimento: la rabbia. Tra le file dei cattivoni anche la bellissima (ex mogliettina frustrata di Mad Men) January Jones, dura e indistruttibile come un diamante.

Non mancano questi spunti comici nella narrazione, soprattutto quando vengono dipinti i retroscena degli ambienti politici vouyeristi o ancor più tra gli eserciti russi e americani in attesa. A volte le scene sono prevedibili (ma con una volontà di ostentarne la prevedibilità quasi). È un universo molto pop quello di Matthew Vaughn, colorato, divertente, e senza dubbio fumettistico. Non si può dire che non ci abbia messo un po’ del suo stile, ridando un tono alla saga dei mutanti, che oltre ad essere adolescenti in cambiamento, rappresentano un po’ tutti noi che ci sentiamo diversi in una società di consumisti di massa, così uguali l’uno all’altro.

Curiosità
Il personaggio di Erik, futuro Magneto, è stato scritto ispirandosi ad alcune caratteristiche di James Bond: colto, dandy, freddo e perfettamente addestrato.

Non sorprende né l’idea né i loro autori. Solo Pegg e Frost, amici nella vita, già copratogonisti dei cult L’alba dei morti dementi (Shaun of the Dead, 2004) e Hot Fuzz (idem, 2007), potevano concepire una storia bromance-nerd on the road (traduzione: il viaggio di due amici etero, ma attratti emotivamente l’uno dall’altro, appassionati di fantascienza e fumetti). Sorprende invece il risultato: la contrapposizione tra Stati Uniti e Inghilterra, Creazionismo e Darwinismo, risulta brillante. Le scorribande dei due ragazzotti rappresentano ovviamente una metafora sull’incontro con il diverso (l’alieno, lo straniero, il bifolco) e, sebbene sia evidente per chi parteggiano gli autori, ogni gag, ogni avventura riesce a strappare una risata e un’associazione d’idee con la realtà vissuta dallo spettatore. Impossibile non rivedere nella ipercristiana Ruth, la suora che ci vessava all’oratorio.

Purtroppo, tutto il meglio che questa storia poteva offrirci è diluito dall’effetto paradostico, in quanto si ride a crepapancia solo se si sanno a memoria un sacco di battute, si riconoscono personaggi e attori, si comprendono teorie strampalate e lingue aliene. In questo scenario è poi indubbio come la versione italiana, nonostante il buon lavoro di Elio, sia deleteria per una corretta comprensione. Paul è quindi un divertentissimo divertissement per nerd, ma anche una carrellata d’insulse baggianate per gli altri. E peggio per quegl’altri: in fondo, chi non vorrebbe essere un nerd a spasso con un alieno?

Curiosità
La voce di Paul nella versione originale è di Seth Rogen, che durante le riprese era impegnato anche sul set di The Green Lantern. Per questo motivo è stato spesso sostituito dall’attore Joe Lo Truglio (che nel film impersona O’Reilly) il quale ha imparato a imitarlo alla perfezione.