Gli stereotipi del genere ci sono tutti (lo sciagurato bisognoso di disciplina, la bella da conquistare) e la resa comicizzante e caricaturale dissipa ogni dubbio: è un’autoparodia. Ma il tono dei discorsi sull’onore, il coraggio e l’eroismo (soprattutto se messi in bocca a un attore dalla professionalità indiscussa come Liam Neeson) è di una serietà tale da mettere a rischio la natura intrattenitrice dell’operazione. L’intera sequenza, poi, dedicata ai mutilati di guerra è assolutamente dissonante con l’essenza fracassona ed eccessiva del film, una nota anti-militarista in un film che è un’apologia alla spettacolarità delle esplosioni e alla super-tecnologia delle armi più avanzate. E come giustificare allora le citazioni, assolutamente gratuite, di Omero e Sun-tzu? È ancora autoironia o un estemporaneo anelito a un tono più impegnato?

Ma, tutto sommato, il gioco funziona. Il ritmo è incalzante e il divertimento non manca. Battleship è ancora una volta un esempio di cinema iperbolico dove i colpi di scena si sommano a tal punto da diventare prassi e gli interventi provvidenziali all’ultimo secondo messi sempre a raddrizzare l’esito tendente a favore dei cattivi, e dove tutto alla fine torna, persino la “corazzata” (battleship in inglese, per l’appunto) Missouri tornerà utile ai protagonisti, obsoleta e meno tecnologica dei moderni cacciatorpediniere ma più resistente ai colpi.

Ma la combinazione letale tra blockbuster “Usa Style” e mitologia greca, tranne in pochi fortunati casi, non ha mai prodotto risultati di pregio, e anche questa pellicola può essere inserita in questo affollato filone: ed è così che ritroviamo un attempato Zeus (Liam Neeson) che con il diafano fratello-traditore-redento Ade (Ralph Fiennes) si diverte a combattere a colpi di fulmine e onde energetiche di Dragonballiana memoria un lavico Crono. La storia non decolla mai, procedendo su topoi classici del cinema d’azione (il giovane Agenore scapestrato ma dal grande futuro come spalla del protagonista, il decaduto Efesto, vecchio e mezzo matto, che recupera l’antica gloria attraverso il sacrificio della vita non più immortale) e talvolta incagliandosi in paludi da sbadiglio, come lo scontro tra i fratellastri Perseo e Ares o l’avventura nei labirinti del Tartaro con fugace comparsa di un Minotauro, la cui presenza appare un po’ fuori contesto (colpa di una confusione tra labirinti?). Approssimazione nei dettagli, eccessiva semplificazione della trama e scarsa profondità dei personaggi indeboliscono un prodotto già di per sè inteso come “di consumo” ma che difficilmente potrà registrare incassi record al botteghino, penalizzato anche dal non poter fare leva su una storia immortale e largamente conosciuta, come nel caso del precedente episodio Scontro fra Titani. Nonostante un cast di primissimo livello, in cui Sam Worthington si misura con attori del calibro di Liam Neeson o Ralph Fiennes, non si esce dall’impressione di un film di maniera, in cui i protagonisti non caricano i propri personaggi di forti e specifiche connotazioni, ma lasciano al contrario la sensazione che molti ruoli potessero essere intercambiabili

L’utilizzo del 3D, come in altri precedenti casi, non sembra dare allo spettatore un reale valore aggiunto, limitandosi a fargli apprezzare lapilli, pietre o freccie durante le principali scene di azione, non fornendo tuttavia un motivo che valga davvero la pena della scomodità degli occhiali.

E’ qui torniamo alla nostra osservazione iniziale: ciò che veramente manca a Romanzo di una strage sono due cose. La prima è l’Italia di quegli anni. Il paese e la sua quotidianità è tagliato fuori dagli spazi, viene riesumato in filmati da repertorio, ma tutto l’impianto narrativo di Marco Tullio Giordana si muove attraverso lo sguardo costante sull’istituzione trincerata nei suoi uffici. La freddezza del racconto appassiona chi ne è già appassionato, chi sa muoversi con destrezza nel ricordo di quei fatti, chi conosce la storia (che non si insegna a scuola), precedente e successiva a Piazza Fontana o chi già ha vissuto quell’Italia e quel clima. Chi ne è tagliato fuori (anche dalla mancanza di didascalie ai personaggi) rimane naufragato. Intendiamoci: noi siamo riusciti a navigare fino alla fine, ma contrariamente alle affermazioni del regista, questo non è un film per le nuove generazioni. L’altra mancanza, che alimenta lo stesso meccanismo di distacco, è la dimensione intima, profondamente necessaria per coinvolgere lo spettatore anche in un immaginario esclusivamente “pubblico”. Mentre nei Cento Passi, Marco Tullio Gioardana era riuscito a declinare l’intimo nel pubblico, qui il regista pensa di risolvere la questione in un paio di battute fra Calabresi e Pinelli (e in una scena finale, la più quotidiana e bella dell’intero film, quella della cravatta “bianca” o “rosa” fra Calabresi e sua moglie). E’ decisamente troppo poco, così come è troppo poco affidarsi alla sola bravura degli attori e una buona fotografia. Anzi, la narrazione cinematografica rischia così di essere uccisa dal posticcio: ci accorgiamo presto di assistere a un cinema minore che sacrifica l’immagine al testo, il racconto alla storia e la ricerca della verità alla sua fascinazione. Eppure in altri casi, il cinema politico era riuscito a piegare (a proprio favore) una forma cinematografica più fluida, capace di filtrare il “potere” attraverso la lente d’ingrandimento del Cinema e dell’immaginario popolare ad esso annesso (pensiamo soltanto al Divo, di Paolo Sorrentino, ma anche a ciò che il cinema tedesco è riuscito a fare con Le vite degli altri o, dall’altra parte del muro, con La banda Baader Meinhof).

Marco Tullio Giordana invece non solo si preclude questa strada, ma perfino quella della pura docu-fiction d’inchiesta, come ad esempio su Portella delle Ginestre l’aveva rappresentata l’ottimo Segreti di Stato di Paolo Benvenuti. L’indagine “tecnica” qui è solo abbozzata, sussurrata eppure esplode improvvisamente in un finale fanta-politico degno del miglior Oliver Stone (in JFK c’era la triplicazione dei fucili per altro ben argomentata, qui c’è il raddoppio della bomba come un fulmine a ciel sereno). Ai fatti dunque si sostituiscono le ipotesi, e le vicenda Piazza Fontana si complica irrimediabilmente di nuovo. La polemica in questi giorni fra i protagonisti di quella stagione (Adriano Sofri, Calabresi figlio, l’ex magistrato D’Ambrosio) è la dimostrazione più cristallina che questo film non solo non aiuta a stabilizzare la verità su Piazza Fontana (che pure c’è, storicamente parlando) provando a comunicarla alle nuove generazioni attraverso un vero romanzo cinematografico, ma è anche tentato dall’alimentare nuove polemiche con vecchi personaggi, allontanando una storia che invece dovrebbe diventare patrimonio pubblico, campo di discussione accessibile a tutti: chi l’ha vissuta e chi oggi, appena ventenne, si trova a farci i conti. Tanto che Tullio Gioardana sembra sottotitolare questo film con un “Rispieghiamo Piazza Fontana per chi era presente”. E chi invece era assente? Beh, sembra che ne rimarrà escluso ancora per molto. Qualunque sia la verità che gli vorremmo raccontare.

Curiosità
Anche un compagno di scuola e dell’allora studente Marco Tullio Giordana, Saverio Saltarelli, esattamente un anno dopo la Strage, durante una commemorazione pubblica e gli scontri che ne seguirono, fu ucciso da un candelotto lacrimogeno sparato dai carabinieri ad altezza d’uomo.

Sicuramente gli strumenti analitici del cinema classico difficilmente possono essere utili nel decifrare il suo linguaggio. Prendiamo Knockout – Resa dei conti. Se dovessimo raccontarlo oggettivamente, parleremmo di un action di serie b dove, alla stregua di un film con Jean Claude Van Damme o Chuck Norris, la pretestuosa trama serve solo a farci ammirare il corpo e la maestria nel combattimento di un grande atleta, anche se in questo caso si tratta di una donna (e diciamolo, sebbene sorprendente, non è la prima volta che avviene). Inoltre potremmo dire che il montaggio mostra colpevolmente la sua nota velocità di lavoro (Banderas ha dichiarato di essersi sorpreso di quanto riesca a girare in fretta) tanto da usare scavalcamenti di campo o inquadrature apparentemente prese a casaccio, come se mancasse del girato. Potremmo anche dire che erigere a eroe una marine super addestrata e mercenaria non è certo etico ed edificante (per non parlare delle paternalistiche morali reazionarie di Contagion). Potremmo, perché tutto vero e comprovato, però sarebbe riduttivo e anacronistico.

Knockout – Resa dei conti, infatti, pur essendo un film di serie b reazionario e mal montato, funziona. E non si tratta solo delle numerose location o del variegato e imponente cast (ormai segno distintivo del nostro), ma più che altro di una rara e innata capacità di ritmo che va oltre la tematica e lo stile. Non possiamo che stare dalla parte della vittima (e il fatto che sia una donna più forte degli uomini non è affatto da sottovalutare) e soffriamo con lei. Non possiamo non ammirare la sua audacia, la sua forza, la sua determinazione. Non possiamo che non volere sapere chi è il traditore e se pagherà. Con il suo cinema non ci si annoia mai, ci si fanno domande e spesso, almeno per chi scrive, ci si arrabbia. Tutto merito dell’imperfezione e del manierismo con il quale Soderbergh usa il cast, le location e il suo apparentemente schizofrenico, ma efficace, sguardo sul mondo: un personale parco divertimenti da cui attingere umori, colori e odori. Arduo dunque analizzare, meglio farsi governare dalle emozioni: in fondo haywire, il titolo originale, significa andare in tilt. Una caratteristica da non sottovalutare negli apatici e patinati tempi moderni.

Curiosità
Leggenda narra che Soderbergh abbia visto Gino Carano in tv quando perse l’incontro per il titolo mondiale femminile di Muay Thai e decise di creare un film per lei.

Peccato che tutte queste opportunità di sviluppo restino sostanzialmente soffocate e non decollino mai. Si finisce così per assistere a un viaggio tra Francia, Germania e Svizzera che resta un po’ sospeso: la connessione dei crimini e il puzzle composto dagli indizi appaiono più un semplice pretesto che le basi di un reale impianto narrativo ben congeniato. Le uniche “bombe” del tanto decantato giallo a orologeria da risolvere restano quelle delle esplosioni sullo schermo, ma di micce nell’animo dello spettatore se ne accendono ben poche. Rimangono quindi alcune belle trovate (ad esempio, la ricetta delle uova strapazzate) e qualche risata. Il fatto che così spicchi la figura di Stephen Fry (nei panni dello strampalato fratello di Sherlock) fa capire quanta poca tensione ci sia nella storia, inzuppata fin troppo frequentemente nella melassa della commedia. E sembra definitivamente sparito pure il tocco tamarro tipico delle opere del regista. Che gusto ha un Guy Ritchie depurato? Insipido, sicuramente. Discutibile (per quanto poco fedele fosse la trasposizione dalla cellulosa alla celluloide) il primo film, ma molto più speziato e caratteristico. Sfida persa anche nel confronto della figura femminile: Noomi Rapace è meno affascinante della Rachel McAdams, protagonista del primo film e qui confinata a pochi minuti. Pure la recitazione di Robert Downey jr avrebbe potuto essere più a briglia sciolta, regalandoci – magari – uno Sherlock che potesse avvicinarsi al fascino di Jack Sparrow, tanto per fare un esempio. Non è così.

Ogni cosa è misurata. Ma la sensazione è che non sia un bene, in questo caso. Il pubblico, tuttavia, pare gradire ed essere soddisfatto. Si è parlato di un terzo possibile episodio, anche se al momento non c’è nessuna ufficialità a riguardo. Vista la risposta del botteghino, pare elementare che s’abbia da fare.

Curiosità
Guy Ritchie per girare questo film ha dovuto abbandonare la regia di Cowboys & Aliens.

Eroici sono i protagonisti di Tower Heist: una banda di Robin Hood il cui scopo è recuperare i fondi pensione di tutti i dipendenti del residence, fondi presi e investiti da Arthur Shaw, il proprietario della Torre. Questi non potrebbe essere “cattivo” peggiore, non solo in quanto coinvolto nel crack finanziario che ha gettato sul lastrico i suoi dipendenti, ma anche in quanto appartenente a quella categoria di ricchi che marcano la differenza tra loro e le “classi subalterne” non con l’arroganza, bensì con un’apparente simpatia e gentilezza; quella stessa simpatia che Shaw ha nutrito per Josh Kovacs, vittima tra le vittime del furto (è stato lui, infatti, ad affidare i fondi pensione dei dipendenti a Shaw) e, proprio per questo, leader predestinato nella riscossa finale.

Piani impossibili, inseguimenti folli, fughe per scale e ascensori infiniti: non mancano in Tower Heist tutti gli ingredienti di un buon film d’azione Hollywood-style. Questa pazza impresa di una gang che ricorda, più di Ocean e la sua banda, i simpatici squattrinati di Monicelli, ambisce a dare anche un messaggio di tipo sociale. Il colpo di Kovacs, infatti, altro non è che la vendetta di quella classe operaia messa in ginocchio dal crack delle banche, ridotta sul lastrico da una finanza malata, fiduciosa di un sistema che continua a permettere ai colpevoli di farla franca. Manca, ovviamente, nel film di Ratner una critica degna di questo nome: dopo tutto, si tratta di una commedia e la presenza di Ben Stiller ed Eddie Murphy sono una sorta di garanzia per la risata spensierata. Solo nel finale il film sembra volerci ricordare che quello appena visto non è che un grande spettacolo e che i buoni, in verità, vincono per davvero solo al cinema.

Il talento visivo del regista rimane celato per tutta la durata della pellicola, forse costretto dai fini commerciali imposti dalla produzione. Il problema è che così facendo, il film risulta una sorta di brutta copia di 300 . È impossibile non notare le affinità con la pellicola di Zack Snyder: guerrieri a petto nudo che sfoderano addominali scolpiti, battaglie riprese con insopportabili e ripetuti ralenti. Se però il film del 2007 aveva una base solida sulla quale appoggiarsi e trarre spunto (la graphic novel di Frank Miller), Immortals non gode dello stesso vantaggio e ne risente molto.

La ciliegina su questa torta per nulla riuscita è ovviamente l’uso della terza dimensione. Come tutte le pellicole in cui il 3D viene inserito in postproduzione, anche Immortals lo utilizza male e in maniera piuttosto fastidiosa, mai calibrato per dare profondità o per esplorare nuovi campi. Si spera che questo capitolo ad alto budget sia stato solo una brutta parentesi nella carriera del regista, sperando in un suo ritorno più indipendente e ad atmosfere nelle quali trovarsi più a suo agio.

Curiosità
Il regista si è presentato alla prima riunione con i produttori di Immortals con una valigetta piena di riproduzioni di dipinti presenti nei musei, per illustrare la sua visione inconsueta della pellicola: Tarsem Singh infatti ha proposto di basare le immagini del film sul lavoro di Caravaggio.

Poche le parole nel film, asciutti e ficcanti i dialoghi. Il sottotesto è ricco e potente – basti pensare ai vividi parallelismi evocati da Moby Dick di Herman Melville, di cui il padre dei protagonisti è solito ascoltare la storia audio-narrata. Proprio nella carenza di dialoghi, che mimano quanto più possibile il reale quotidiano, va ricercata la complessità di questo film duro e commovente, che scava nella psicologia dei personaggi in linea con Pride and Glory, altro lungometraggio forse troppo sottovalutato di O’Connor (di cui per altro il regista recupera il rapporto tra fratelli – di sangue o acquisiti che siano). E quanto più la comunicazione tra i protagonisti viene meno per le lontane, ma ricorrenti memorie di un’infanzia non vissuta, tanto più acquistano pregnanza frasi come: “Ferma la nave!”, che il padre in preda ai fumi dell’alcol pronuncia urlando (straordinaria la sequenza) nei confronti del figlio Tommy. Un figlio che sembra votato a una vendetta e a un auto-castigo angoscianti e insensati contro un passato che non riesce a cancellare e un avvenire di cui ha perso la rotta. Tommy come novello Achab, il capitano che combatte la balena, accecato da una rabbia vuota che nuocerà a sè stesso, ma si ripercuoterà su tutto l’equipaggio della Pequod, la baleniera di Moby Dick. La gabbia intorno al ring su cui competono i concorrenti di Sparta diventa, perciò, simbolicamente, la nave di Achab, ma anche la prigione in cui Tommy è costretto per l’incapacità di dimenticare e perdonare. Il film poggia su interpretazioni di grande spessore, valorizzate da personaggi a tutto tondo, di cui Nick Nolte, Tom Hardy e Joel Edgerton riescono a trasferire al pubblico i punti di debolezza e di forza, in un intreccio di rapporti in cui il padre cerca di recuperare la fiducia dei figli e questi, a loro volta, cercano l’approvazione del padre (Brendan) e la rivalutazione di una figura paterna mancate durante l’adolescenza (Tommy). Il rapporto tra fratelli riprende una formula archetipica di contrapposizione tra il lato istintivo, passionale e ribelle, che non porta rispetto per le regole, proprio in quanto convenzionalmente condivise (vedi il disprezzo di Tommy per il regolamento di Sparta e il suo giocarsi il tutto per tutto in modo ostinatamente irrazionale), e il lato più razionale, più equilibrato (Brendan è professore di fisica, si allena ascoltando Beethoven e lotta sul ring per amore della famiglia). È la contrapposizione tra eroe e anti-eroe, tra uomo straordinario (Tommy ha salvato dalla morte certa alcuni militari in Iraq, senza pretendere riconoscimenti) e uomo ordinario (Brendan), definito addirittura, dai telecronisti del torneo, “vittima predestinata”. Sarà, quindi, stupefacente vedere gli stessi ruoli inaspettatamente ribaltati (come già era successo in Pride and Glory), quando l’eroe, che si trova sull’orlo del precipizio, verrà salvato in extremis dal buon senso e dalla bontà dell’uomo comune. La dicotomia tra il giusto e lo sbagliato, che si confondono in un intreccio difficile da districare, impera sulla storia, come in altri film di O’Connor. Le scelte registiche riflettono extradiegeticamente le personalità dei protagonisti, con la predilezione per le inquadrature sporche, ad esempio nei campo-controcampo dei dialoghi e nelle molte riprese con camera a mano. Le fasi di allenamento di Tommy e Brendan sono rappresentate non, come ci si attenderebbe, attraverso un montaggio alternato, bensì attraverso picture in picture poco cinematografici, ma coerenti con le finalità della pellicola, che risiedono più nell’analisi psicologica di due diversi caratteri, che nella rappresentazione pura dell’azione. Il combattimento finale è costruito, come da manuale, alternando le mosse degli atleti con le reazioni del pubblico: da una parte il padre dei protagonisti, il preside di Brendan e i suoi alunni, sua moglie; dall’altra i militari di stanza in Iraq e la palestra in cui Tommy si allenava.

Una peculiarità della pellicola è quella di dare ampio spazio al ruolo della televisione nella società attuale. I servizi televisivi sono fortemente presenti in forma di tg (breaking news, in particolare) e tv verità. Ad essi è affidata la funzione di “messaggero” nell’economia della storia: è, infatti, attraverso essi che i protagonisti, ma anche lo spettatore, vengono a conoscenza, ad esempio, dei retroscena della vita di Tommy in Iraq o del fatto che i due contendenti il titolo di vincitore di Sparta siano fratelli. Insomma, dietro al prodotto finito traspare una spasmodica attenzione al dettaglio: un lavoro tanto preciso e azzeccato che fa di Warrior un film veramente degno di nota e riconferma un regista che ha già fatto bene in precedenza.

Curiosità
Nel film recita anche, nei panni di Koba, l’avversario per eccellenza al torneo Sparta, il wrestler e campione olimpionico di lotta libera (Atlanta, 1996) Kurt Angle.

Così, mentre all’ultimo Festival di Cannes, il nuovo film di Refn (Drive) si è portato a casa il premio per la miglior regia (forse l’affermazione definitiva per un talento europeo come ce ne sono pochi oggi), in Italia si inizia a distribuire i suoi film. Incominciando proprio con questo Bronson, che fra tutti i passati lungometraggi del regista danese è forse quello che segna un punto di svolta cruciale nella sua carriera: con Bronson, Refn sembra accettare le regole dello showbiz e delle medio-grandi produzioni. Ma, come vedremo, senza tradire la sua vocazione iconoclastica e autoriale, anzi, concedendosi il lusso di raccontare una storia totalmente “refniana” con mezzi più raffinati ma per questo non meno suggestivi. Eccolo dunque questo Bronson: un viaggio irresistibile nella vera storia del “detenuto più violento del Regno Unito” (Michael Peterson interpretato da Tom Hardy), che ha sulle spalle (ancora attualmente da scontare) 35 anni di prigione, 30 dei quali in regime di isolamento (senza aver mai commesso crimini di sangue). Bronson è semplicemente, estremamente e allegramente un violento. Così violento da iniziare le sue risse picchiando il maestro di scuola elementare e scaraventargli una sedia sulla schiena. Così violento da distruggere le prigioni in cui lo ingabbiano, farsi un suo pubblico fra i detenuti ed essere costretto ad essere trasferito di volta in volta. Così violento che cambia il suo vero nome in Charles Bronson, con tutta l’evocazione di una violenza che diventa anche celebrità. Bronson andrà a perseguire così ostinatamente la sua devozione alla furia e alla brutalità fino a scardinare i meccanismi di un sistema che non prevede un elemento per cui la cella del carcere è “una camera d’albergo” e sarà costretto a liberarlo, rappresentando un costo esorbitante per le casse dello Stato. Il rimando ad Arancia meccanica (passando da Natural Born Killer fino a Fight Club) insomma è esplicito e diretto, ma la lettura della violenza nella società si spinge ben oltre i confini kubrickiani. Per il protagonista la violenza infatti diventa “vocazione”, destino da perseguire con tutte le forze per “creare un impero”, “diventare qualcuno”.

Refn, con uno stile registico condito da un’ironia travolgente (Bronson prima delle sue imprevedibili esplosioni di violenza è a tutti gli effetti un vero e proprio gentleman inglese), riesce a trasformare la violenza come una forma d’arte, uguagliabile alla pittura o al bel canto. E’ con questa surrealtà che un sadico – accompagnato dalle musiche di Giuseppe Verdi – fa della propria indole feroce e del proprio stesso corpo, uno spettacolo raffinato. La violenza per il regista danese diventa insomma opera artistica distruttiva. Teatrale e devastante.

Curiosità
Al vero “Bronson”, Michael Peterson, le autorità non hanno permesso di vedere il film. Ma Refn ha saputo che il detenuto è riuscito ad “ascoltare” la sua opera al telefono. Considerandolo il film più bello di tutti i tempi.

Vaughn mette in primo piano il decòr: ogni ambiente spicca per i suoi colori e la sua scenografia. Se all’inizio il setting è quello della seconda Guerra Mondiale e dei campi di concentramento, dove la predominante è grigia, si passa poi alle tende rosso-porpora e bicchieri di cristallo nei salotti alto-borghesi, nascosti in night club immersi in una classica Las Vegas anni Sessanta. Le atmosfere si fanno giallo-polverose nella pampa western Argentina, dove si sono rifugiati i nazisti. Futuribili sono invece gli interni dei laboratori, che uno dei mutanti (laureatosi ad Harvard a 15 anni) gestisce, ma senza perdere la loro ambientazione sixties: non è un computer a stampare i dati, ma una banale macchina da scrivere. Fino allo scontro finale avverrà dentro un angusto spazio infinito, dove a moltiplicare la realtà sono una serie di specchi che si riflettono uno contro l’altro. X-Men: L’inizio racconta la nascita del conflitto tra gli stessi mutanti, tra chi non accetta le regole degli umani, e chi invece crede ancora di riuscire a trovare un giorno una convivenza pacifica tra le due specie. Se gli X-Men sono in fondo un’allegoria degli adolescenti che scoprono un corpo in cambiamento, in questo capitolo la svolta “storica” rivela che a cambiare il mondo nei lontani anni ’60 sono stati proprio loro, i mutanti. Nel cast spiccano in particolare i due protagonisti principali: il professor X, interpretato dallo scozzese James McAvoy, che pur essendo mutante non si lascia trasportare dalle proprie emozioni, e il futuro Magneto (Micheal Fassbender) che al contrario è mosso da un unico sentimento: la rabbia. Tra le file dei cattivoni anche la bellissima (ex mogliettina frustrata di Mad Men) January Jones, dura e indistruttibile come un diamante.

Non mancano questi spunti comici nella narrazione, soprattutto quando vengono dipinti i retroscena degli ambienti politici vouyeristi o ancor più tra gli eserciti russi e americani in attesa. A volte le scene sono prevedibili (ma con una volontà di ostentarne la prevedibilità quasi). È un universo molto pop quello di Matthew Vaughn, colorato, divertente, e senza dubbio fumettistico. Non si può dire che non ci abbia messo un po’ del suo stile, ridando un tono alla saga dei mutanti, che oltre ad essere adolescenti in cambiamento, rappresentano un po’ tutti noi che ci sentiamo diversi in una società di consumisti di massa, così uguali l’uno all’altro.

Curiosità
Il personaggio di Erik, futuro Magneto, è stato scritto ispirandosi ad alcune caratteristiche di James Bond: colto, dandy, freddo e perfettamente addestrato.