Love is All You Need, To the Wonder, Outrage Beyond, Pieta, Acciaio

A cura di @francesca_bi 

Love is All You Need di Susanne Bier 

La malattia affrontata con tubini di raso e sandali open toe, guardando al futuro con stile e fiducia. @NFouque

To the Wonder di Terence Malick

Straziante Malick. Talmente ardito da metterci alla prova come mai prima d’ora. ‏@AntoNiQSI

La Kurylenko diretta da Malick trascende il femminile e diventa pura opera d’arte. ‏@cescosergio

Outrage Beyond di Takeshi Kitano

Un’elegia dei valori giapponesi, più convenzionale, ma anche più morbido, elegante, ispirato del precedente. ‏@fourzine

Kitano porta la yakuza sul grande schermo. Miike la portava direttamente al bar dell’Excelsior. ‏@SaraTheHamzter

Acciaio di Stefano Mordini

Due lolitine con argento vivo addosso in un’estate di piombo cazzeggiano in baracca di alluminio. Piu’ che acciaio, rame. ‏@VeniceMaster

Pieta di  Kim Ki-Duk

“Pieta” di Kim Ki-duk è un film terribile nel senso più positivo possibile del termine. ‏@badtasteit

Il Mouse d’Oro, istituito nell’agosto 2009 su iniziativa di Hideout.it, è assegnato da una speciale giuria formata dai collaboratori delle migliori webzine italiane di cinema, ed è presente ai principali festival italiani: Venezia, Roma, Torino e Courmayeur. Il Mouse d’oro, conquistato in passato da William Friedkin, Aleksei Fedorchenko e Todd Solondz, viene assegnato al primo classificato tra i film del Concorso ufficiale e il Mouse d’argento al preferito dei giurati nelle sezioni collaterali. Nel 2011 vinsero, rispettivamente, Killer Joe di William Friedkin e Kotoko di Shinya Tsukamoto.

I giurati, in continua crescita, sono centinaia, tutti collaboratori di siti internet. Un premio, ma anche un circuito di appassionati addetti ai lavori che, a ogni Festival a cui partecipa, propone incontri e momenti di riflessione. Durante la Mostra di Venezia, il Mouse d’oro organizza il seguente appuntamento:

• Sabato 1° settembre, ore 22.30, c/o Lancia Cafè (Terrazza Excelsior)
  incontro dal titolo: PARLIAMOCI ADDOSSO – Le webzine di cinema si raccontano. Ovvero, chi sono quei siti che consigliano cosa vedere al cinema a oltre 3 milioni e mezzo di italiani?
  Una serata per presentare alcune delle webzine aderenti al Premio e riflettere sulla comunicazione indirizzata agli appassionati della Settima arte.

I vincitori saranno annunciati ufficialmente tramite comunicato stampa, venerdì 7 settembre alle 19.00, mentre i riconoscimenti verranno consegnati sabato 8 presso il Lancia Cafè (l’orario sarà comunicato a breve).

Il Mouse d’oro è nato in occasione della Mostra di Venezia nel 2009 con l’intento di promuovere l’autorevolezza delle testate online e oggi, cresciuto fino a raggiungere il traguardo di 68 webzine, è un termometro accreditato per identificare i gusti e le tendenze della Rete, che spesso coincidono con quelli dei cinefili più accaniti.

Il lavoro e i voti dei giurati sono online sul sito www.mousedoro.it che raggruppa notizie, giudizi e commenti, nonché l’albo d’oro delle edizioni precedenti. Inoltre, come negli ultimi tre anni, i voti del Mouse d’Oro saranno presenti sul Daily della Mostra.

Il Mouse d’oro è anche su Facebook e Twitter (@mousedoro).

Da Comunicato Stampa

Boxing Day, The Reluctant Fundamentalist, Izmena (Betrayal), The Iceman, Paradise: Glaube.

A cura di @francesca_bi 

Boxing Day di Bernard Rose 

Bernard Rose dopo Candyman è passato a Tolstoj. Boxing Day è “Padrone e servo” al tempo della nuova depressione Usa. @MauroGerva

The Reluctant Fundamentalist di Mira Nair

Per essere della Nair non parte neanche male, poi diventa pesante, lunghissimo. E beh. @gabrielecapo

Izmena (Betrayal) di Kirill Serebrennikov

Il primo pianosequenza di Betrayal vale da solo il prezzo del biglietto. Poi c’è anche il resto, purtroppo. @anromagnoli

The Iceman di Ariel Vromen

Film solido come il suo protagonista, Michael Shannon. Buon biopic su un killer al di sopra di ogni sospetto. Promosso. @BorisSollazzo

Mafia a New York anni ’70, storia di un sicario da 100 omicidi. Il regista, gentile, ne fa vedere solo un’ottantina. @Ansa_Venezia

Un incredibile showcase di barbe e baffi da gangster. Schwimmer sembra truccato per una puntata del SNL. @gniola

Paradise: Glaube di  Ulrich Seidl

Ulrich Seidl conferma con Paradise:Glaube un talento geometrico per la narrazione “al limite”. Il primo vero film di Venezia69. @sarathehutt_DM

E allora? Forse il problema è stato il tempo, poco in confronto al solito (la nuova era Barbera è stata confermata solo a fine gennaio) e si è cercato di fare il meglio possibile con quello che c’era a disposizione. Un fatto di cui siamo certi. Ma a tal proposito parleranno i film.
Il cartellone c’è, il buco pure, e confidiamo che da qui all’8 settembre la nostra voragine da fame di cinema sarà colmata.

Ma torniamo al film. L’obiettivo dichiarato di Kevin Macdonald è quello di raccontare il Bob Marley uomo. Impresa difficilissima, proprio perché la persona ha finito per essere assimilata col messaggio. E quando il messaggio è quello dell’amore universale, dell’unità tra le persone e del rispetto tra le razze, il rischio che la biografia diventi agiografia è enorme. In questo senso, il regista britannico (tutt’altro che sprovveduto, come testimonia l’enorme numero di menzioni e premi ricevuti a fronte di una produzione filmica tutto sommato contenuta) ha avuto l’umiltà di scegliere la strada più faticosa e meno spettacolarizzante: quella della scrupolosa documentazione sulle vicende e sui loro protagonisti. Nella fattispecie, il suo documentario presenta una mole impressionante di interviste realizzate secondo il principio del «a chi ha qualcosa da dire su Bob per esperienza diretta sia data la parola».

In primo piano, come è giusto che sia, troviamo i familiari di Marley. Ma anche i membri della sua crew negli anni Settanta, le sue amanti, i colleghi e perfino l’infermiera tedesca che lo accudì negli ultimi giorni di ricovero in ospedale. Tutti quanti, e questo in ultima analisi è il motivo per cui il film funziona così bene, estremamente onesti nel raccontare il proprio rapporto con Bob, senza troppa costruzione mitologica intorno. Ne esce così il ritratto di un essere umano autentico: un uomo di fede e un artista puro, ma anche un padre poco paterno, un musicista ambizioso e un marito spesso egoista. Lesa maestà? Tutt’altro. Le debolezze di Marley, lo riportano allo status di comune mortale esaltandone la grandezza nei momenti migliori. Quelli in cui si mise col cuore al servizio di un’ideale di pace che nella Giamaica di quel decennio, devastata dalla violenza, richiedeva non solo parole, ma anche atti di coraggio. Un’operazione talmente ben condotta da giustificare perfino una concessione alla retorica sui titoli di coda, così ben dosata da risultare – quasi a sorpresa – commovente.

Curiosità: In Italia il film sarebbe dovuto uscire nelle sale per un giorno soltanto, il 26 giugno 2012 per poi uscire direttamente in Home Video. Ma il grande successo (16.666 spettatori per un incasso di € 158.285 in un solo giorno) ha portato gli esercenti a chiederne a gran voce una distribuzione regolare a partire dal 29 giugno 2012.

Così come per i sequel di Paranormal Activity o la serie The River, anche per Chernobyl Diaries – La mutazione il meccanismo narrativo è semplice: il solito gruppo di giovani turisti, un luogo abbandonato (in questo caso Kiev) e via con il tour da amanti del brivido. Non finiranno in pasto a sadici deliranti come in Hostel di Ely Roth, ma tra i ruderi della città di Pripjat, abbandonata in tutta fretta dai sui abitanti dopo l’esplosione del reattore della centrale atomica di Chernobyl, che nel 1986 aprì uno squarcio nelle certezze nucleari del mondo intero. Accompagnati da un veterano dell’esercito sovietico, i ragazzi (a loro spese) scopriranno che l’ex fabbrica in realtà cela ancora molti inquietanti segreti, tenuti nascosti dall’esercito russo. Qualcosa di malefico si nasconde tra gli edifici abbandonati di Pripjat e non sarà certo amichevole nei confronti degli intrusi.

Sebbene la scelta stilistica di Bradley Parker (al suo esordio alla regia, con tanto di bollino “Oren Peli presenta…”) opti per un’insistente estetica documentaristica, Chernobyl Diaries – La mutazione viene raccontato da un punto di vista esterno a quello dei protagonisti, in un pastiche di generi che sceglie di mantenere una certa distanza dalla realtà. Sarebbe forse risultato un po’ troppo azzardato proporre un falso reportage dai risvolti horror ambientato in un luogo testimone di una tragedia che ha coinvolto centinaia di migliaia di persone anche nel lungo periodo, per via delle ricadute delle radiazioni sprigionate dalla vaporizzazione del reattore. Difficile però capire se alla base di questa scelta ci sia l’etica o l’estetica.

Ne risulta un mediocre film horror, poco più di un saldo estivo per brividi all’aria condizionata della sala cinematografica con una sceneggiatura prevedibile, tanto da lasciar intuire fin dall’inizio (vediamo se indovinerete anche voi) chi sarà la last girl standing nonché l’ordine preciso delle “sparizioni”. Ma quando lo script è firmato da Carey e Shane Van Dyke, noti per essere nipoti dell’attore Dick Van Dyke e autori di s-cult come Transmorphers e Titanic 2, forse era lecito aspettarsi anche di peggio…

Curiosità: sono state molte le polemiche suscitate in America dal film a causa dell’uso di una immane tragedia come quella di Chernobyl in un’opera spettacolare e di intrattenimento.

Che Liam Neeson fosse un attore fuori dal comune già lo sospettavamo

Ed è proprio in questo The Grey che Neeson raggiunge il massimo del suo linguaggio espressivo. Intorno a lui lo spazio asettico del nulla innevato gli concede la possibilità di ri-generarsi interamente, di disseppellire la sua identità per vestire quella di John Ottawy, vedovo giunto alla fine delle proprie ragioni di vita, costretto a guidare verso la salvezza un gruppo di operai coinvolti con lui in un incidente aereo. Una rigenerazione che in realtà è molto meno posticcia di quello che ci appare. Perché Liam Neeson ha realmente perso sua moglie, Natasha Richardson, morta tre anni fa in Quebec per un incidente (ironia della sorte) sulla neve. Quello della scomparsa della propria compagna di vita è dunque un fantasma che insegue il Neeson attore in un set che incrocia i drammi della sua vita reale. Dove finisce la realtà e dove inizia la finzione? Questo non possiamo saperlo, ma nei lunghi silenzi dell’attore, nei suoi primi piani spezzati, nello sguardo rivolto al passato perduto di Ottawy/Neeson, è impossibile non percepire la materializzazione di quella solitudine e di quella disperazione che fa da traino per tutta la storia. La capacità di Liam Neeson, tutta europea, di “piantare le radici” ai propri personaggi qui diventa davvero impressionante, spiazzante. E senza più limiti.

Tutto ciò vale l’intero film. E sul resto possiamo anche chiudere un occhio: dal non riuscito eco bergmaniano del “silenzio di Dio”, alla stilizzazione eccessiva di lupi famelici che poco hanno in comune con dei veri animali (e questo ha fatto arrabbiare non poco molti animalisti che hanno lanciato un appello per boicottar e il fim). Eppure, se ignoriamo i rimandi al machismo che ogni tanto sembra incarnare il protagonista di The Grey,  il richiamo alla “legge del più forte” avanzata dal regista Joe Carnahan, assume un altro senso, più profondo ed attuale. Perché per la prima volta in mezzo alla foresta – quella infestata dai predatori-che-danno-la caccia-agli-uomini – non finiscono i pavidi collegiali di Frozen o il ricco esperto di caccia di L’urlo dell’odio. Ma un gruppo di semplici e genuini proletari, padri di famiglia e lavoratori instancabili. Ecco insomma che l’impianto thrilleristico di The Grey si tinge di sociale, non facendosi mancare sullo sfondo sia la guerra in Iraq (e conseguente ”invasione” di un territorio ostile), sia la Crisi economica. Proprio lei, la stessa che fa precipitare (come l’aereo in avaria) la civiltà in un luogo selvaggio dove il Capitale in declino, sotto forma di lupo affamato, divora le classi meno abbienti e più vulnerabili. «Homo homini lupus» disse Hobbes. «We’re the animals!» dirà Ottawy/Neeson. E tanto basta.

Curiosità: Il film va guardato tutto, incluso i titoli di coda. Quello che infatti sembra un finale “aperto” si risolve appena dopo i credits, in un clip “chiarificatore”. Di più non si può dire.

Nel film un giovane uomo e una giovane donna si conoscono, si amano, decidono di vivere insieme, uniscono le loro rispettive famiglie tra problemi economici e solidarietà emotiva, fanno un figlio e poi si ritrovano ad affrontarne una grave e micidiale malattia. La scelta di chiamare questi due personaggi Roméo e Juliette nasconde già un primo indizio sul destino di questa storia, che comunque sorprende per la normale tragicità. In La guerra è dichiarata, la giovane coppia affronta la quotidianità di eventi straordinari come il lavoro, l’affitto, il rapporto con gli amici, la gioia e la malattia. Gli eventi sono legati da una voce fuori campo à la nouvelle vague, da colori caramellosi e personaggi troppo belli per essere veri, eppure assolutamente reali (vogliamo che lo siano). Donzelli si butta a capofitto nel racconto, aggirando i pericoli del patetico e della stucchevolezza (ovvi, quando si racconta la malattia di un bambino) ma affrontandoli a viso aperto e insinuandocisi dentro, ribaltandoli. Così, la lacrima è sempre dietro l’angolo, ma è sempre vera, mai costruita, come se finalmente esistesse  un nuovo cinema, un nuovo mostrabile, capace di farci vivere la realtà per quella che è, confondendo pubblico e privato, schermo e vita.

E quando usciti dalla sala, ancora scossi da un’esperienza di straordinaria umanità, si scopre che la storia di Roméo e Juliette è vera, lo sconquasso è totale. Valérie Donzelli (Juliette) e Jérémie Elkaïm (Roméo) hanno dovuto combattere contro il tumore al cervello di loro figlio nella vita vera, e hanno riportato sullo schermo, dopo essersi lasciati come coppia, la loro esperienza. Non si tratta quindi di un film “tratto da una storia vera” (tra l’altro non dichiarato all’inizio del film), ma della vita vera, in un rimando metacinematografico commovente. Una sorta di cinema sapiens sapiens che finalmente non imita la vita ma la rispecchia. Semplicemente.

Per questo sentiremo ancora parlare di Valérie: perché ha inventato un linguaggio nuovo che rimasticando il proprio mondo interiore insieme alla tradizione dell’alta commedia francese, riesce a pronunciare i primi vagiti di un cinema nuovo e illuminato, rivolto a chi è alla ricerca di un mondo (in)sicuro di sé e senza rimpianti.

Curiosità: per completare l’opera metacinematografica, Adam, il figlio di Roméo e Juliette, è interpretato da Gabriel Elkaïm, il vero figlio di Valérie Donzelli e Jérémie Elkaïm.

My Week with Marilyn

L’armonia del film è spezzata a metà: da una parte c’è la voglia “dall’interno” di catturare lo scontro professionale tra metodi di recitazione, quello classico di stampo teatrale e quello nato delle teorie di Stanislavskij; dall’altra il tentativo di raccontare il cinema (e lo scontro di due modi di farlo) attraverso uno sguardo esterno. I risultati si perdono tuttavia in ritratti poco azzeccati, dialoghi deboli e situazioni avvilenti e sconfortanti. Marilyn è l’ammaliante e capricciosa stella del cinema d’oltreoceano che si scontra con il sistema cinematografico inglese, rappresentato dal grande attore teatrale, prima che di cinema, Laurence Olivier. Dove sia la grinta, la vivacità e la rottura delle regole tradizionali di recitazione che Marilyn dovrebbe almeno simbolicamente rappresentare, è una questione aperta.

Le riprese di Il principe e la ballerina (The Prince and the Showgirl, 1957), di cui Olivier cura la regia, rappresentano una parte consistente dello sviluppo della storia. L’altra metà è costituita dal rapporto sbilenco e platonico tra Marilyn e Clark. Ma cosa veramente il regista voglia esprimere attraverso questa narrazione lenta, goffa e priva di carattere? Dov’è lo scontro di professionalità? Pare che il problema risieda nell’incapacità di romanzare un’avventura fuori dal comune: tutto è piatto, scontato, per niente engaging e entertaining. Gli attori non si esprimono al meglio: ilgrande Kenneth Branagh si perde in una caricatura mal approfondita; Marilyn è disarmonica, triste e scialba e di lei emergono solo le debolezze, pur oggettivamente esistite. Clark è un giovane di buona famiglia che magicamente perde il senno e vive esperienze fuori dal comune, come un pivellino che, improvvisamente, si sente investito di un potere che lo rende offensivo nei confronti della troupe.

La forza sprigionata dallo star system di Hollywood non si avverte, mentre le abitudini inglesi appaiono stantie e chiuse al cambiamento. Ma era questa Marilyn? O meglio, è questa la Marilyn che tutti noi ricordiamo? E si limitava a questo mix di rigidità professionale e recitazione istrionica e artefatta il grande interprete di Shakespeare Laurence Olivier? Marilyn pare un mero prodotto derivato, un’operazione ricordo, opaca e pedissequa traduzione se non negli eventi, almeno nello spirito, di quello che può essere un diario scritto da un qualunque scrittore amatoriale. Sarebbe, dunque, interessante recuperare il racconto di partenza per potere valutare meglio pregi e difetti di una pellicola che pure ha fatto tanto parlare di sé e della sua protagonista femminile… quasi che il film fosse più un “evento” per l’azzardo di replicare Marilyn che altro.

Curiosità: per la sua interpretazione di Marilyn (per la quale erano in ballottaggio anche Scarlett Johansson, che ha declinato, e Elaine Hendrix) Michelle Williams ha vinto il Golden Globe 2012 come migliore attrice di commedia/musical ed è stata nominata agli Oscar e ai BAFTA Awards.

L’Italia torna all’appuntamento con i premi che contano grazie a Matteo Garrone, che a distanza di quattro anni dal Gran Premio della Giuria ottenuto per Gomorra, centra un meritato bis con Reality, viaggio alienante e folle di un pescivendolo napoletano (lo straordinario Aniello Arena, attore detenuto nel carcere di Volterra) per arrivare ad entrare dentro al Grande Fratello.

Duplice riconoscimento arriva anche per il regista rumeno Cristian Mungiu, già vincitore della Palma d’Oro nel 2007 con 4 mesi, 3 settimane, 2 notti, che con Al di là delle colline (Beyond the hills) conquista il premio per la miglior sceneggiatura e soprattutto quello, ex aequo, andato alle due attrici principali, Cosmina Stratan e Cristina Flutur. Fuori dai premi più importanti il meraviglioso film danese The Hunt (La caccia) di Thomas Vinterberg, a cui viene assegnato comunque il premio per il miglior attore protagonista andato al suo straordinario interprete  Mads Mikkelsen. Sorride anche il regista inglese Ken Loach che con The Angel’s share vince il Premio della Giuria. Duplice soddisfazione per il Messico con il premio per la miglior regia andato al regista Carlos Reygadas per Post Tenebras Lux, e nella sezione di ‘Un Certain Regard’, presieduta dall’attore Tim Roth, per il vincitore Michel Franco con Despues de Lucia. Infine Camera d’Or al meraviglioso Beasts of the Southern Wild di Benh Zeitlin, già Gran Premio della Giuria all’ultimo Sundance Festival.

Palma d’Oro miglior film
Amour di Michael Haneke

Gran Prix della Giuria
Reality di Matteo Garrone

Premio della Giuria
Angel’s share di Ken Loach

Premio per la regia
Post Tenebras Lux di Carlos Reygadas

Palma miglior attore
Mads Mikkelsen per The Hunt (La caccia) di Thomas Vinterberg

Palma miglior attrice
Ex aequo Cosmina Stratan e Cristina Flutur per Al di là delle colline (Beyond the hills) di Cristian Mungiu

Miglior sceneggiatura
Cristian Mungiu per Al di là delle colline (Beyond the hills)

Camera d’Or
Beasts of the Southern Wild di Benh Zeitlin